Władysław Tatarkiewicz (1886-1980)
Fue un filósofo polaco, investigador de historia de la filosofía, del arte, y de estética, campo en el que publicó numerosas obras.
Como narra en sus Memoirs de 1979, fue un encuentro con un pariente en una estación de tren de Cracovia al inicio de la Primera Guerra Mundial lo que llevó a Tatarkiewicz a pasar los años de la guerra en Varsovia. Ahí comenzó su carrera como profesor de Filosofía, en una escuela femenina en la calle Mokotowska, cerca del lugar donde Józef Piłsudski residiría por un tiempo al terminar la Primera Guerra Mundial.
Tatarkiewicz dirigió de 1915 a 1919 el departamento de Filosofía de la Universidad Polaca de Varsovia, cuando ésta tuvo comienzo, bajo el patrocinio de los ocupantes alemanes que querían ganar el apoyo polaco para la guerra). De 1919 a 1921 fue profesor en la Universidad Stefan Batory en Vilna; de 1921 a 1923 en la Universidad de Poznań; y, de 1923 a 1961 de nuevo en la Universidad de Varsovia. Desde 1930 fue miembro de la Academia Polaca de Ciencias
Durante la Segunda Guerra Mundial, dirigió confencias clandestinas en la Varsovia ocupada por los Alemanes, poniendo en riesgo su vida (uno de los asistentes era Czesław Miłosz). Después del Levantamiento de Varsovia (de agosto a octubre de 1944), de nuevo puso en riesgo su vida, al recuperar un manuscrito que un soldado alemán había arrojado a una encuadernadora para destruirlo. Éste y otros textos fueron publicados más tarde en el libro Sobre la Felicidad (O Szczęściu).
Władysław Tatarkiewicz murió el día anterior a su nonagésimocuarto cumpleaños.
Tatarkiewicz pertenecía a la Escuela de Filosofía "Lvov-Warsovia" (Szkoła lwowsko-warszawska) del Período de entreguerras, creado por Kazimierz Twardowski, que dio a Polonia importantes científicos y académicos: filósofos, psicólogos, sociólogos y estudiosos de la lógica.
- HISTORIA DE UN CONCEPTO
TATARKIEWICZ, Wladyslaw; Cap. I: "El Arte: Historia de un concepto" en Historia de seis ideas. Arte, belleza, forma, creatividad, mímesis, experiencia estética. Traducción al español de Dzieje szesciu pojec (1975) realizada por Francisco Rodríguez Martín. Tecnos, Madrid 1987 2001.
El comienzo del libro nos hace conscientes de las modificaciones que sufre la palabra "arte" a lo largo de la historia. En Roma y en la Edad Media, arte se refería a toda destreza necesaria para construir algo y, al considerarse como tal, no cabía la existencia de un arte que no estuviera basado en el conocimiento de unas reglas- como sucede, por ejemplo, con la poesía-. Esta definición,en consecuencia, hacía de la palabra arte un término más amplio del que estamos acostumbrados.
Las artes quedaron dividas en dos campos: las artes dedicadas al esfuerzo físico, consideradas artes vulgares o mecánicas y las llamadas artes liberales en las que se requería solo un esfuerzo mental; siendo estas últimas las mejores consideradas por la sociedad del momento.
En la Edad Media restringieron ambas artes a un número de siete – a pesar de la enorme cantidad de artes vulgares- mencionando solo las mas importantes de cada ámbito .
Para que nos hagamos una idea del cambio que ha sufrido el concepto de arte nos hace ver que, de lo que nosotros entendemos como tal, solamente la música se encontraba en las artes liberales y, además,refiriéndose como la musicología antes que como la práctica de esta. La escultura y la pintura ni siquiera eran mencionadas en las listas. Se catalogaban en las artes vulgares ya que era necesario el esfuerzo físico y, las reconsideraban poco importantes, puesto que no le atribuían gran utilidad. No merecía la pena incluirlas en las clasificaciones.
Mas tarde, en el Renacimiento, aun con la idea de que arte significaba destreza, hubo grandes cambios. Los oficios y las ciencias se separaron del arte y se incluyó la poesía. Esta fue introducida gracias a la publicación de la Poética de Aristóteles (que había pasado desapercibida en la Edad Media) y su concepto donde se establecía las reglas de la tragedia y la trataba de destreza.
Ayudó mucho el deseo de los artistas de mejorar su situación en la exclusión de los oficios. La belleza fué muy valorada en el Renacimiento y por tanto sus creadores también. Además, debido a la mala situación económica, esta se comenzó a apoyar en las obras de arte. Por tanto la pintura, escultura y arquitectura comenzaron a ser representantes de las artes liberales y a separarse de la artesanía. Sin embargo, ese afán por parte de los artistas de mejorar su estatus hizo mas complicado separarse de las ciencias puesto que estaban mejor valoradas. A pesar de ello, a finales del Renacimiento se estableció que aunque las artes usaran reglas similares a las matemáticas, el arte y la ciencia no se dedican a lo mismo.
Otra transformación muy significativa que generó el Renacimiento fue la de buscar conceptos y términos que reagrupara las artes. Hasta entonces los términos que las definían eran demasiados y no se establecían conjuntos. Así, por ejemplo, la escultura no se conocía como tal, sino que se separaba en diferentes oficios según el material usado.
Se terminó reconociendo la escultura como conjunto, y, mas tarde, reagrupándola junto con la pintura y la arquitectura en la denominación "arti del disegno".
A pesar de esto las artes todavía no tenían ningún concepto que las englobara y las definiera en su conjunto y esto dio paso a una serie de búsquedas de aislamiento de las artes. Se dieron divisiones tales como las artes "ingeniosas", las "musicales", las "nobles, las"memoriales", las"pictóricas", las "poéticas" y así hasta alcanzar la definición de "bellas artes". Ya en el S. XVI se había utilizado la expresión de bellas artes pero el concepto no se afianzó hasta el S.XVII con François Blondel (quien no utilizó la expresión de bellas artes para referirse al concepto). Este estableció como vínculo en común entre todas ellas el de estas artes actúan por medio de su belleza. Fue Charles Bateaux, tres años después, quien las llamó "bellas artes". Esta denominación se extendió rápidamente y el aislamiento de las artes se hizo universal. Finalmente terminó de afianzar la clasificación de las bellas artes en: pintura, escultura, música, poesía, danza, arquitectura y elocuencia.
Una vez había denominado a las artes como "bellas artes" y había afianzado su clasificanción, Bateaux formuló una teoría sobre estas. En ella se reducía a afirmar que la característica común entre ellas es que imitan la realidad. Esta característica ya había sido señalada por Platón y Aristóteles quienes separaron la artes en originales (música, arquitectura) e imitativas (pintura, escultura y poesía). Bateaux, sin embargo, fue el primero en considerar que todas las bellas artes eran miméticas y basó su teoria en esto que, aunque errónea, gozó de gran popularidad.
El problema que puso en duda esta clasificación de las bellas artes apareció en el S.XIX cuando las técnicas comenzaron a avanzar y aparecieron un número de áreas polémicas que quizás pudieran incluirse en el concepto del arte. Entre ellas estaba la fotografía, la cinematografía, el jardinero paisajista, los medios de comunicación, los muebles artísticos... Incluso hubo problemas con la Hermandad de Trabajadores de las Artes que criticaban la distinción entre el arte puro y el utilitario , exigiendo la readmisión de la artesanía en el "verdadero arte".
El concepto de arte, aunque de teoría afianzada era, en práctica, bastante fluido. Aunque en la teoría se usara el criterio de la belleza para decidir que era arte, en la práctica se usaban otros muchos, como el grado de seriedad, la expresión, el propósito no comercial etc...
La moderna idea del arte es, en principio, aceptable pero parece que sus límites son muy confusos. De hecho existen áreas en las que esta vacila entre diferentes interpretaciones que son, a menudo, contradictorias; existe una interpretación liberal en las que, además de las siete artes clasificadas por Bateaux, se incluyen la fotografía, el cine y otras artes de carácter utilitario. De este modo, a veces el concepto de arte es muy amplio y abarca muchos campos, en otras solo se refiere a las artes visuales. También podemos decir que un objeto es una obra de arte dependiendo de la intención y logro del autor, sin embargo, hay relojes que consideramos obras de arte y su creador no tuvo intención alguna. También podemos entender "arte" como un arte único, con un significado general, o como un arte particular. Estas son algunas de las áreas de incertidumbre.
Realmente no es tan problemático ya que podemos matizar su uso según el contexto. Lo que es realmente complicado es establecer la relación que existe entre la cultura material y el arte. Entendemos que deben de ir separados pero la línea que separa uno de otros no está del todo definida.
El significado del concepto de arte es mas extenso hoy día de lo que ha sido nunca, ya que incluye muchas mas artes de las que se encontraban fuera de la lista de Bateaux; además de seguir incorporando las artes antiguas. Por esto mismo actualmente tenemos una definición menos precisa que la que se daba en la Edad Media. En algunos diccionarios, todavía se conservan definiciones antiguas o que aluden al término "belleza"cuando esta no es indispensable en el arte. De hecho, nuestra época ha heredado la definicion que establece que el arte es la producción de belleza y la suplementaria, que afirma que el arte imita la naturaleza. Como ninguna ha demostrado ser la adecuada se ha impulsado la búsqueda de nuevas definiciones.
Solo una cosa tenemos clara en cuanto a la definición de arte; que el arte es una actividad humana consciente. Por tanto la búsqueda principal seria la de averiguar que distingue al arte de otros tipos de actividad humana consciente, es decir, buscar la diferencia específica del arte.
Uno de los rasgos que intentaron establecerse como distintivos del arte fue que el arte produce belleza pero el concepto de belleza es muy ambiguo. Su sentido más restringido sería el de equilibrio o armonía de formas. Este concepto es bueno para la definición del arte clásico pero no para el resto.
Otro de los rasgos distintivos fue el de que el arte representa la realidad que, evidentemente , solo sería apto si nos refiriéramos exclusivamente al arte mimético.
También se llegó a la idea de que el rasgo distintivo del arte es la creación de formas entendiendo que el arte es la construcción de cosas. Pero, si nos damos cuenta, mucho de lo que nos rodea son cosas construidas de forma consciente. Según August Zamoyski "el arte es todo aquello que ha surgido a partir de una necesidad de dar forma a algo" pero la palabra "forma" es demasiado extensa. Los diseñadores industriales, técnicos y trabajadores también dan forma a las cosas.
También han probado con el rasgo de la expresión, concepto demasiado ambiguo y exclusivo ya que muy pocas escuelas artísticas tienen a la expresión como objetivo.
En la idea de que el rasgo distintivo del arte es el de producir la experiencia estética nos encontramos con un parentesco a la de la idea de la belleza, ya que se refiere a una experiencia de la belleza. Por tanto, nos volvemos a encontrar con la ambigüedad y con el problema de que otras cosas que no son consideradas artes también pueden producir una experiencia estética. Si intentáramos limitar esta propuesta a que el rasgo distintivo del arte es que intenta producir una experiencia estética y lo logra, estaríamos restringiendo demasiado ya que se piensa que la emoción a la que hace referencia es de una clase exclusivamente positiva,
Por último, otra de las propuestas destacadas sobre los rasgos distintivos del arte sería la de que el arte produce un choque en el espectador. Esta es la aportación mas reciente de todas. Entiende que el arte produce en el espectador un tipo de experiencias estéticas abrumadoras o desconcertantes. La función principal del arte sería la de causar impresión. Esta aportación supondría la exclusión de todo a lo que llamamos arte clásico.
Existen muchas mas contribuciones a la búsqueda de rasgos distintivos del arte, pero ninguna exacta. Aunque cada una de las aportaciones que hemos visto contengan parte de verdad, no llegan a ser certeras dado que no pueden hacer justicia a todo el campo que generalmente se denomina arte. De hecho,se ha llegado a la conclusión de que conseguir una definición de arte es imposible.
Se entiende que hay términos de uso común que se resisten a ser definidos de manera exacta porque los objetos que lo componen no tienen anda en común sino que, a lo sumo, poseen un parecido de familia. A esta categoría de conceptos de la denomina "abierta". A ella pertenecen prácticamente todos los conceptos básicos de la estética y, por tanto, también el término "arte". Se entiende que los artistas generan cosas nuevas y esto hace imposible su definición. Pero, si siguiéramos esto a rajatabla pensaríamos que la palabra "animales" o "plantas" tampoco puede ser definida, puesto que constantemente se descubren nuevas especies. Personas como Weitz creen que no es necesario definir el arte ya que se puede tratar sobre el tema sin tener una definición pero Tatarkiewicz defiende que entonces sería complicado profundizar en las investigaciones. Por tanto, ve necesario establecer una definición adecuada para el arte.
Entiende que tenemos que basarnos en la idea de que el arte es de carácter variado y esto sugiere que tenemos que ir por otro camino diferente del que se ha seguido hasta ahora. Para ello se basa en la idea de Wittgenstein de que los conceptos tienen un "parecido de familia". Según el autor del ensayo, ninguna de las definiciones dadas puede ser una reconstrucción total del término "arte" puesto que "cada una tiene en cuenta sólo una familia e ignora todas las demás que forman parte del concepto total del arte. Por consiguiente, todas son incorrectas". Teniendo esto en cuenta, y si comprendemos que el arte tiene muchas funciones diferentes, no podemos obviar ninguna.
Si ya tenemos por válido que el arte es una actividad humana consciente, nos queda saber en que difiere de las demás acciones humanas conscientes. Para ello se recurre tanto a las intenciones de las obras de arte, en el efecto que producen, en la relación que mantiene con la realidad y en su valor específico:
Según la intención existen obras productivas (necesidad de perpetuar la realidad) y obras expresivas (necesidad de expresión). Según el efecto unas producen experiencias estéticas de deleite y otras producen efectos contrarios al éxtasis. Según los productos y la relación de la realidad unos las imitan y otros generan formas abstractas. Y según su valor en algunos son la belleza, en otros su gracia u otros valores artísticos diferentes.
Si estudiamos esto, llegaremos a la conclusión de que la definición de arte debe de tener en cuenta tanto la intención como el efecto y se tiene que especificar que pueden ser de varios tipos. De esta forma, la definición resultante será varios conjuntos de disyunciones tal cual que así:
"El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque."
Esta es la definición a la que, finalmente, llega el autor y hace unas anotaciones al respecto. La definición , obviamente, podría ser mas amplia, pero ve necesario que sea sencilla y breve, además entiende que existe un paralelismo y que la definición podría hacerse también basándose en el producto del arte y su valor. El carácter disyuntivo de esta definición lo defiende como algo no excepcional. La definición que ha dado es de carácter general y entiende que puede llegar a mejorarse. Además tiene en cuenta que, siendo su definición de arte en el sentido más amplio, el uso moderno de la palabra la restringe a menudo a las artes visuales o a las creaciones artísticas mas elevadas y excelentes.
Una vez el autor a considerado zanjada la definición de arte, se aventura ha hablarnos sobre su teoría. Debemos de entender cual es el origen y el propósito del arte. Generalmente se han creado tres teorías básicas en el transcurso del arte: La primera indica que es una tendencia natural y una necesidad del hombre, la segunda cree que lo hacemos porque nos causa placer y producimos objetos que producen placer a los demás, la tercera entiende que no es necesario saber la teoría del arte sino practicar el arte.
Obviamente nuestra época no se contenta con las teorías anteriores y se ha intentado elaborar otras diferentes como las de que el arte sirve para descubrir y fijar nuestra realidad interior y experiencias, que el arte es aquello que presenta lo eterno en el mundo (lo que transciende independientemente del tiempo y el espacio), que el arte es un modo de aprehender lo que de otro modo no captamos o que el arte es la libertad del genio entendiendo que su función es sacar a la luz lo que el hombre normal no descubre.
Actualmente se han producido tantos cambios en el arte que esto ha modificado el propio concepto. Por tanto, todo lo que hemos dicho hasta ahora no es del todo aplicable para comprender el estado actual del arte. Para poder comprenderlo debemos retrotraernos al s.XIX ya que era diametralmente opuesto del arte actual. Se dedica a producir cosas bellas, agradar al público y mantener el conformismo como principio mientras que el arte actual prefiere producir cosas nuevas y alterar al público. El nuevo arte surgió como oposición al antiguo y se calificó como "vanguardia". Al final de la II Guerra Mundial solo la vanguardia a tenido importancia. Esta obtuvo el éxito gracias al talento de sus artistas, pero sobretodo, gracias al atractivo que despertaban sus diferencias. Es por esto, que siente la necesidad de ser incesantemente nuevo y, por tanto, los cambios de forma que sufren son constantes. Sus cambios avanzan de un extremo a otro y por esto se le otorga a la vanguardia un caracter extremista. Estos cambios que han tenido lugar en las formas del arte han ejercido una influencia en la teoría e incluso en el mismo concepto del arte.
El concepto que logró establecerse implicaba que el arte era parte de la cultura , surgia gracias a las destrezas , se percibía como una región separada en el mundo y su objetivo era el de crear obras de arte. Sin embargo algunos teoricos se oponen a esta tesis ya que entienden que la cultura es dañina para el arte, consideran que cualquiera puede hacer arte y que para ello no es necesario nadie que posea una destreza especial, se entiende que el arte funciona mejor cuando se fusiona con la realidad (en vez de presentarse como algo aislado) y para ellos el arte no se basa solo en la produccion de obras ya que consideran que la vida de esta es breve.
Llegar a la idea de que el arte puede existir sin la obra de arte hace evidente que no solamente cambia la teoria sino que tambian cambia la definición.
Está claro que nuestra época se dirige hacia la oposición generalizada, hasta llegar incluso a estar en contra del mismo término "arte".
Esto a llevado a muchos, como a Witkiewicz, a predecir el final del arte. Se cree que el mundo contiene una cantidad limitada de estímulos y que , por tanto, deben de agotarse alguna vez. Piensan que el arte se trata de una forma transitoria de la vida y de la actividad humana. A pesar de ello, Tatarkiewicz deja clara su poca afinidad a esta teoria:" Es cierto que es posible que el arte deje de pintarse con óleos en lienzos y enmarcarse su resultado con un marco dorado. Pero el arte puede persistir en otras formas. Además, el arte existe no sólo allí donde se encuentra su nombre, donde se ha desarrollado su concepto y donde ya existe una teoría establecida."
Aunque vivamos en una época de cambio constante en busqueda de la novedad, la historia nos ha enseñado que todo cambia.Así que hemos de suponer que esta necesidad de cambiar se evaporará con el tiempo.
Otros enlaces:
Stanislaw Ignacy Witkiewicz: La Forma Pura en la vanguardia del teatro europeo de entreguerras
